Լուսանկարը` Բնության պատմական թանգարան

Արվեստի պատմության ձեր քանդակը` չորս դյույմ բարձրությամբ այս փոքրիկ արձանիկը հայտնաբերվել է Ավստրիայում 1908 թվականին: Ոչ ոք չգիտի, թե ինչ գործառույթ է այն կատարել, բայց ենթադրությունները տատանվում են պտղաբերության աստվածուհուց մինչև ձեռնաշարժության օգնություն: Որոշ գիտնականներ ենթադրում են, որ դա կարող էր լինել կնոջ կողմից արված ինքնադիմանկար: Այն ամենահայտնին է հին քարի դարից թվագրվող բազմաթիվ նման առարկաներից:

Լուսանկարը` CC/Wiki Media/Philip Pikart

Այս դիմանկարը եղել է կանացի գեղեցկության խորհրդանիշ, քանի որ այն առաջին անգամ հայտնաբերվել է 1912 թվականին Ամարնայի ավերակներում, մայրաքաղաքը, որը կառուցվել է Հին Եգիպտոսի պատմության ամենահակասական փարավոնի՝ Ախենաթենի կողմից: Նրա թագուհու՝ Նեֆերտիտիի կյանքը առեղծվածային է. Ենթադրվում է, որ նա Ախենաթենի մահից հետո որոշ ժամանակ իշխել է որպես փարավոն, կամ ավելի հավանական է՝ որպես տղա Թութանհամոնի թագավորի համագյուղացի։ Որոշ եգիպտագետներ կարծում են, որ նա իրականում Թութի մայրն էր: Ենթադրվում է, որ այս սվաղով պատված կրաքարե կիսանդրին Ախենատենի պալատական ​​քանդակագործ Թութմոզի ձեռքի աշխատանքն է:

Լուսանկարը՝ CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Հայտնաբերվել է 1974 թվականին՝ հախճապակյա բանակը կավե արձանների հսկայական պահոց է, որը թաղված է երեք հսկայական փոսերում՝ Չինաստանի առաջին կայսր Շի Հուանգի գերեզմանի մոտ, որը մահացել է մ.թ.ա. 210 թվականին: Նախատեսված է պաշտպանել նրան հանդերձյալ կյանքում, որոշ հաշվարկներով բանակը հաշվում է ավելի քան 8000 զինվոր, ինչպես նաև 670 ձի և 130 մարտակառք: Յուրաքանչյուրը բնական չափի է, թեև իրական հասակը տատանվում է ըստ զինվորական կոչման:

Լուսանկարը՝ CC/Wiki Media/LivioAndronico

Թերևս հռոմեական հնության ամենահայտնի քանդակը,Լաոկոնը և նրա որդիներըսկզբնապես հայտնաբերվել է Հռոմում 1506 թվականին և տեղափոխվել Վատիկան, որտեղ այն բնակվում է մինչ օրս: Այն հիմնված է տրոյացի քահանայի առասպելի վրա, որը սպանվել է իր որդիների հետ ծովային օձերի կողմից, որոնք ուղարկվել են ծովի աստված Պոսեյդոնի կողմից՝ որպես հատուցում տրոյական ձիու խորամանկությունը բացահայտելու Լաոկոոնի փորձի համար: Ի սկզբանե տեղադրվել է Տիտոս կայսեր պալատում, այս իրական չափի փոխաբերական խմբավորումը, որը վերագրվում է Հռոդոս կղզու հույն քանդակագործների եռյակին, անմրցակից է որպես մարդկային տառապանքների ուսումնասիրություն:

Լուսանկարը՝ CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Արվեստի պատմության ամենահայտնի գործերից մեկը՝ Միքելանջելոյի Դավիթը, սկիզբ է առել Ֆլորենցիայի մեծ տաճարի՝ Դուոմոյի հենարանները Հին Կտակարանից վերցված մի խումբ կերպարներով զարդարելու ավելի մեծ նախագծից: ԱյնԴավիթմեկն էր և իրականում սկսվեց 1464 թվականին Ագոստինո դի Դուչիոյի կողմից: Հաջորդ երկու տարիների ընթացքում Ագոստինոյին հաջողվեց քանդել Կարարայի հանրահայտ քարհանքից փորված մարմարի հսկայական բլոկի մի մասը, նախքան կանգ առնելը 1466 թվականին: (Ոչ ոք չգիտի, թե ինչու): Մեկ այլ նկարիչ վերցրեց թուլությունը, բայց նա նույնպես միայն հակիրճ աշխատել է դրա վրա: Մարմարը մնաց անձեռնմխելի հաջորդ 25 տարիներին, մինչև Միքելանջելոն վերսկսեց այն քանդակել 1501 թվականին: Այդ ժամանակ նա 26 տարեկան էր: Ավարտելուց հետո Դավիթը կշռում էր վեց տոննա, ինչը նշանակում է, որ այն հնարավոր չէր բարձրացնել տաճարի տանիքին: Փոխարենը, այն ցուցադրվեց Ֆլորենցիայի քաղաքապետարանի պալատի Palazzo Vecchio-ի մուտքի մոտ: Ֆիգուրը՝ Բարձր Վերածննդի ոճի ամենամաքուր թորումներից մեկը, անմիջապես ընդունվեց Ֆլորենցիայի հասարակայնության կողմից՝ որպես քաղաք-պետության սեփական դիմադրության խորհրդանիշ՝ ընդդեմ իր դեմ հավաքված ուժերի: 1873 թԴավիթտեղափոխվել է Accademia Gallery, և կրկնօրինակը տեղադրվել է իր սկզբնական վայրում:

Լուսանկարը՝ CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Ճանաչված լինելով որպես բարձր հռոմեական բարոկկո ոճի հեղինակ՝ Ջան Լորենցո Բերնինին ստեղծել է այս գլուխգործոցը Սանտա Մարիա դելլա Վիտորիա եկեղեցու մատուռի համար: Բարոկկոն անքակտելիորեն կապված էր հակառեֆորմացիայի հետ, որի միջոցով կաթոլիկ եկեղեցին փորձում էր կասեցնել 17-րդ դարի Եվրոպայում մոլեգնող բողոքականության ալիքը: Բերնինիի նման արվեստի գործերը ծրագրի մի մասն էին, որը վերահաստատում էր պապական դոգման, որն այստեղ լավ ծառայեց Բերնինիի հանճարին՝ կրոնական տեսարանները դրամատիկ պատմվածքներով ներծծելու համար:ԷքստազիԴրա թեման՝ Սուրբ Թերեզա Ավիլացին, իսպանացի կարմելիտ միանձնուհի և միստիկ, ով գրել է իր հանդիպման մասին հրեշտակի հետ, պատկերված է հենց այն ժամանակ, երբ հրեշտակը պատրաստվում է նետը սուզել նրա սիրտը:ԷքստազիՆրա էրոտիկ երանգը անսխալական է, առավել ակնհայտ է միանձնուհու օրգազմիկ արտահայտման և երկու ֆիգուրները փաթաթող գործվածքի մեջ: Ճարտարապետ Բերնինին նաև նախագծել է մատուռի միջավայրը մարմարից, սվաղից և ներկից:

Լուսանկարը` Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարան/Ֆլետչերի հիմնադրամ

Իտալացի նկարիչ Անտոնիո Կանովան (1757–1822) համարվում է 18-րդ դարի մեծագույն քանդակագործը։ Նրա ստեղծագործությունը մարմնավորում էր նեոդասական ոճը, ինչպես կարելի է տեսնել հունական առասպելական հերոս Պերսևսի մարմարի մեջ նրա կատարման մեջ: Կանովան իրականում ստեղծել է ստեղծագործության երկու տարբերակ. մեկը գտնվում է Հռոմի Վատիկանում, իսկ մյուսը գտնվում է Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարանի Եվրոպական քանդակի դատարանում:

Լուսանկարը` Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարան

Թեև իմպրեսիոնիստ վարպետ Էդգար Դեգան առավել հայտնի է որպես նկարիչ, նա նաև քանդակագործության մեջ է աշխատել՝ ստեղծելով այն, ինչը, հավանաբար, իր ստեղծագործության ամենաարմատական ​​ջանքերն էր: Degas-ի մոդայիկՓոքրիկ տասնչորս տարեկան պարուհինմոմից (որից 1917 թվականին նրա մահից հետո ձուլվեցին հետագա բրոնզե օրինակները), սակայն այն փաստը, որ Դեգան իր համանուն առարկային հագցրեց բալետի բալետի կոստյում (ամբողջովին կրծկալով, տուտույով և հողաթափերով) և իսկական մազերով պարիկ սենսացիա առաջացրեց, երբ.Պարուհիդեբյուտը տեղի է ունեցել 1881 թվականի Փարիզի վեցերորդ իմպրեսիոնիստական ​​ցուցահանդեսում: Դեգան ընտրեց իր զարդարանքների մեծ մասը ծածկել մոմով, որպեսզի համապատասխանի աղջկա մնացած դիմագծերին, բայց նա պահեց տուտուը, ինչպես նաև ժապավենը, որը կապում էր նրա մազերը, ինչպես որ կար, ինչը դարձրեց այդ կերպարը գտնված առարկայի առաջին օրինակներից մեկը: արվեստ.Պարուհիմիակ քանդակն էր, որը Դեգան ցուցադրեց իր կյանքի ընթացքում. Նրա մահից հետո նրա արվեստանոցում հայտնաբերվել են ևս 156 օրինակներ:

Լուսանկարը` Ֆիլադելֆիայի արվեստի թանգարան

Մինչդեռ մարդկանց մեծամասնությունը կապում է ֆրանսիացի մեծ քանդակագործ Օգյուստ Ռոդենի հետՄտածողը, Մեծ Բրիտանիայի և Ֆրանսիայի միջև Հարյուրամյա պատերազմի (1337–1453) ընթացքում տեղի ունեցած միջադեպը հիշատակող այս անսամբլն ավելի կարևոր է քանդակագործության պատմության համար։ Հանձնարարվել է Կալե քաղաքում գտնվող զբոսայգու համար (որտեղ անգլիացիների կողմից 1346-ին մեկ տարվա պաշարումը չեղարկվեց, երբ քաղաքի վեց երեցներ իրենց մահապատժի ենթարկեցին՝ բնակչությանը խնայելու դիմաց),ԲուրգերներըԽուսափեց այն ժամանակվա հուշարձաններին բնորոշ ձևաչափից. բարձր պատվանդանի վերևում մեկուսացված կամ բուրգի մեջ կուտակված ֆիգուրների փոխարեն Ռոդենը իր բնական չափի առարկաները հավաքեց ուղիղ գետնին` դիտողի հետ հավասար: Դեպի ռեալիզմի այս արմատական ​​քայլը խախտեց այն հերոսական վերաբերմունքը, որը սովորաբար տրվում է նման բացօթյա աշխատանքներին: ՀետԲուրգերներըՌոդենը կատարեց առաջին քայլերից մեկը դեպի ժամանակակից քանդակագործություն։

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/Wally Gobetz

1912 թվականին Պիկասոն ստեղծեց ստվարաթղթե մակետե մի կտորից, որը մեծ ազդեցություն կունենա 20-րդ դարի արվեստի վրա: Նաև MoMA-ի հավաքածուում այն ​​պատկերում էր կիթառ, մի թեմա, որը Պիկասոն հաճախ ուսումնասիրում էր նկարչության և կոլաժի մեջ, և շատ առումներով,Կիթառկոլաժի կտրվածքի և կպցնելու տեխնիկան երկու հարթությունից փոխանցել է երեքի: Նույնն արեց նաև կուբիզմի դեպքում՝ հարթ ձևեր հավաքելով՝ ստեղծելով բազմակողմ ձև՝ ինչպես խորությամբ, այնպես էլ ծավալով: Պիկասոյի նորամուծությունն էր խուսափել պինդ զանգվածից քանդակի սովորական փորագրումից և մոդելավորումից: Փոխարենը,Կիթառկառույցի պես ամրացված էր իրար։ Այս գաղափարը կանդրադառնա ռուսական կոնստրուկտիվիզմից մինչև մինիմալիզմ և դրանից դուրս: Պատրաստելուց երկու տարի անցԿիթառստվարաթղթի մեջ Պիկասոն ստեղծեց այս տարբերակը կտրված թիթեղով

Լուսանկարը` Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարան

Իր արմատական ​​սկզբից մինչև իր վերջնական ֆաշիստական ​​մարմնավորումը իտալական ֆուտուրիզմը ցնցեց աշխարհը, բայց ոչ մի ստեղծագործություն չցուցադրեց շարժման զառանցանքը, որքան այս քանդակը իր առաջատար լույսերից մեկի՝ Ումբերտո Բոչոնիի կողմից: Սկսելով որպես նկարիչ՝ Բոչոնիին 1913 թվականին Փարիզ կատարած ուղևորությունից հետո, որտեղ նա շրջեց մի քանի ավանգարդ քանդակագործների արվեստանոցներում, ինչպիսիք էին Կոնստանտին Բրանկուզիին, Ռայմոնդ Դյուշան-Վիլոնին և Ալեքսանդր Արչիպենկոյին, սկսեց աշխատել եռաչափությամբ։ Բոկչիոնին սինթեզեց իրենց գաղափարները այս դինամիկ գլուխգործոցի մեջ, որը պատկերում է շարժման «սինթետիկ շարունակականության» մեջ դրված քայլող գործիչ, ինչպես նկարագրեց Բոչոնիին: Կտորն ի սկզբանե ստեղծվել է գիպսից և ձուլվել է իր ծանոթ բրոնզե տարբերակով մինչև 1931 թվականը, 1916 թվականին նկարչի մահից հետո՝ Առաջին համաշխարհային պատերազմի ժամանակ իտալական հրետանային գնդի կազմում։

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Ռումինիայում ծնված Բրանկուսին 20-րդ դարի սկզբի մոդեռնիզմի ամենակարևոր քանդակագործներից էր և, իսկապես, քանդակագործության ողջ պատմության ամենակարևոր դեմքերից մեկը: Մի տեսակ նախամինիմալիստական՝ Բրանկուսին բնությունից ձևեր վերցրեց և դրանք վերածեց վերացական ներկայացումների: Նրա ոճը կրել է իր հայրենիքի ժողովրդական արվեստի ազդեցությունը, որը հաճախ ցուցադրում էր աշխույժ երկրաչափական նախշեր և ոճավորված մոտիվներ: Նա նաև որևէ տարբերակում չդրեց առարկայի և հիմքի միջև՝ որոշ դեպքերում դրանք դիտարկելով որպես փոխարինելի բաղադրիչներ՝ մոտեցում, որը ներկայացնում էր քանդակագործական ավանդույթների վճռական խախտում: Այս խորհրդանշական կտորը իր մոդելի և սիրեկանի՝ հունգարացի արվեստի ուսանող Մարգիթ Պոգանիի դիմանկարն է, ում հետ նա հանդիպել է Փարիզում 1910 թվականին: Ինքը՝ գիպսը, ցուցադրվել է Նյու Յորքում՝ 1913 թվականի լեգենդար Armory Show-ի ժամանակ, որտեղ քննադատները ծաղրել և անարգել են այն: Բայց դա նաև շոուի ամենաշատ վերարտադրված կտորն էր: Բրանկուսին աշխատել է տարբեր տարբերակների վրաՄլե Պոգանիմոտ 20 տարի:

Լուսանկարը՝ Ժամանակակից արվեստի թանգարանի կողմից

Հեծանիվ Անիվհամարվում է Դյուշանի հեղափոխական պատրաստություններից առաջինը։ Այնուամենայնիվ, երբ նա ավարտեց ստեղծագործությունը Փարիզի իր ստուդիայում, նա իսկապես գաղափար չուներ, թե ինչ անվանել այն: «Ես ուրախ գաղափար ունեի հեծանիվի անիվը ամրացնել խոհանոցի աթոռակին և դիտել, թե ինչպես է այն պտտվում», - հետագայում ասել է Դյուշանը: Պահանջվեց 1915 թվականի ուղևորություն դեպի Նյու Յորք և ծանոթանալ քաղաքի գործարանում կառուցված ապրանքների հսկայական արտադրանքին, որպեսզի Դուշանը հայտնագործի պատրաստի տերմինը: Ավելի կարևոր է, որ նա սկսեց տեսնել, որ արվեստ ստեղծելը ավանդական, ձեռագործ ձևով անիմաստ էր թվում արդյունաբերական դարաշրջանում: Ինչու՞ անհանգստանալ, նա պնդում էր, երբ լայնորեն մատչելի արտադրված իրերը կարող են անել այդ աշխատանքը: Դյուշանի համար արվեստի ստեղծագործության գաղափարն ավելի կարևոր էր, քան այն, թե ինչպես է այն ստեղծվել: Այս հասկացությունը, թերևս Կոնցեպտուալ արվեստի առաջին իրական օրինակը, լիովին կփոխի արվեստի պատմությունն առաջ գնալով: Շատ նման է սովորական կենցաղային առարկայի, սակայն բնօրինակըՀեծանիվ Անիվչի գոյատևել: Այս տարբերակը իրականում 1951 թվականի կրկնօրինակ է:

Լուսանկարը՝ Ամերիկյան արվեստի Ուիթնի թանգարան, © 2019 Calder Foundation, Նյու Յորք/Artists Rights Society (ARS), Նյու Յորք

Ուիթնիի թանգարանի մշտական ​​հավաքածուի սիրելի կցամասը,Calder's Circusթորում է այն զվարճալի էությունը, որը դրսևորեց Ալեքսանդր Կալդերը (1898–1976), որպես նկարիչ, ով օգնեց ձևավորել 20-րդ քանդակը:Կրկես, որը ստեղծվել է նկարչի ժամանակ Փարիզում, ավելի քիչ վերացական էր, քան նրա կախովի «մոբիլները», բայց յուրովի, նույնքան կինետիկ էր. հիմնականում պատրաստված էր մետաղալարից և փայտից,Կրկեսծառայում էր որպես իմպրովիզացիոն ներկայացումների կենտրոնական կետ, որտեղ Կալդերը շրջում էր տարբեր կերպարների շուրջ, որոնք պատկերում էին կծկվողներին, սուրը կուլ տվողներին, առյուծներին սանձահարողներին և այլն՝ աստվածանման ռինգ վարպետի պես:

Լուսանկարը՝ Ջեյ Փոլ Գեթթի թանգարանի կողմից

Որպես նկարիչ և գոբելեն դիզայներ, ինչպես նաև քանդակագործ, ֆրանսիացի նկարիչ Արիստիդ Մայլոլը (1861–1944) կարելի է լավագույնս բնութագրել որպես ժամանակակից նեոկլասիցիստ, ով 20-րդ դարի հունահռոմեական ավանդական արձանների վրա շարադրել է արդիական գիծ: Նրան կարելի է բնութագրել նաև որպես արմատական ​​պահպանողական, թեև պետք է հիշել, որ նույնիսկ ավանգարդ ժամանակակիցները, ինչպիսին է Պիկասոն, առաջին համաշխարհային պատերազմից հետո ստեղծագործություններ են ստեղծել նեոդասական ոճի ադապտացիայի մեջ։L'Air, նա հակադրություն է ստեղծել իր առարկայի նյութական զանգվածի և այն ձևի միջև, թե ինչպես է նա լողում տարածության մեջ.

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/C-Monster

Ճապոնացի նկարչուհի, ով աշխատում է բազմաթիվ մեդիումներում, Կուսաման եկել է Նյու Յորք 1957-ին, վերադառնալով Ճապոնիա 1972-ին: Ընթացքում նա հաստատվել է որպես կենտրոնական ասպարեզի գլխավոր գործիչ, ում արվեստը շոշափել է բազմաթիվ հիմքեր, այդ թվում՝ Փոփ Արտը, Մինիմալիզմը: և Performance Art. Որպես կին նկարչուհի, ով հաճախ էր անդրադառնում կանանց սեքսուալությանը, նա նաև ֆեմինիստական ​​արվեստի նախորդն էր: Կուսամայի աշխատանքը հաճախ բնութագրվում է հալյուցինոգեն օրինաչափություններով և ձևերի կրկնություններով, հակումներով, որոնք արմատավորված են որոշակի հոգեբանական պայմաններից՝ հալյուցինացիաներից, OCD-ից, նա տառապում է մանկուց: Կուսումայի արվեստի և կյանքի այս բոլոր ասպեկտները արտացոլված են այս աշխատանքում, որտեղ սովորական, փափուկ նստարանին անհանգիստ կերպով ներծծվում է կարված լցոնված գործվածքից պատրաստված ֆալիկական ելուստների բռնկումը:

Լուսանկարը՝ Ամերիկյան արվեստի Ուիթնի թանգարան, Նյու Յորք, © 2019 Մարիսոլի գույք/ Օլբրայթ-Նոքս արվեստի պատկերասրահ/Նկարիչների իրավունքների ընկերություն (ARS), Նյու Յորք

Պարզապես իր առաջին անունով հայտնի Մարիսոլ Էսկոբարը (1930–2016) ծնվել է Փարիզում՝ վենեսուելացի ծնողներից: Որպես նկարչուհի նա կապվեց Փոփ Արտի, իսկ ավելի ուշ՝ Op Art-ի հետ, թեև ոճական առումով նա չէր պատկանում ոչ մեկին: Փոխարենը, նա ստեղծեց փոխաբերական աղյուսակներ, որոնք նախատեսված էին որպես գենդերային դերերի, հայտնիության և հարստության ֆեմինիստական ​​երգիծանքներ: ՄեջԿանայք և շունընա իր վրա է վերցնում կանանց օբյեկտիվացումը և այն ձևը, որով օգտագործվում են կանացիության տղամարդկանց կողմից պարտադրված չափանիշները` ստիպելու նրանց համապատասխանեցնել:

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box-ը, թերևս, ամենահայտնին է 60-ականների կեսերին Ուորհոլի կողմից ստեղծված քանդակագործական աշխատանքների շարքից, որոնք արդյունավետորեն երեք հարթության մեջ են վերցրել փոփ մշակույթի նրա հետաքննությունը: Հավատարիմ լինելով Ուորհոլի կողմից տրված իր արվեստանոցին՝ «Factory» անվանմանը, նկարիչը ատաղձագործներ է վարձել, որպեսզի աշխատեն մի տեսակ հավաքման գիծ՝ գամելով փայտե տուփեր՝ ստվարաթղթի տեսքով տարբեր ապրանքների համար, այդ թվում՝ Heinz Ketchup-ը, Kellogg's Corn Flakes-ը և Campbell's Soup-ը: լավ Brillo օճառի բարձիկներ: Այնուհետև նա ներկեց յուրաքանչյուր տուփ բնօրինակին համապատասխանող գույնով (Brillo-ի դեպքում՝ սպիտակ), նախքան ապրանքի անվանումը և պատկերանշանը մետաքսե էկրանին ավելացնելը: Բազմապատիկներով ստեղծված արկղերը հաճախ ցուցադրվում էին մեծ կույտերով՝ արդյունավետորեն վերածելով ցանկացած պատկերասրահ, որտեղ գտնվում էին պահեստի բարձր մշակութային ֆաքսիմիլը: Նրանց ձևն ու սերիական արտադրությունը, հավանաբար, նշան էր, կամ ծաղրում էր այն ժամանակվա նորածին մինիմալիստական ​​ոճը: Բայց իրական կետըBrillo Boxայն է, թե ինչպես է դրա սերտ մերձեցումն իրականին խաթարում գեղարվեստական ​​պայմանականությունները՝ ակնարկելով, որ իրական տարբերություն չկա արտադրված ապրանքների և նկարչի արվեստանոցի աշխատանքի միջև:

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/Esther Westerveld

Դոնալդ Ջադդի անունը հոմանիշ է Minimal Art-ի՝ 60-ականների կեսերի շարժման հետ, որը թորում էր մոդեռնիզմի ռացիոնալիստական ​​լարվածությունը մերկ էական բաների: Ջադի համար քանդակագործությունը նշանակում էր ստեղծագործության կոնկրետ ներկայությունը տարածության մեջ: Այս գաղափարը նկարագրվում էր «հատուկ օբյեկտ» տերմինով, և մինչ մյուս մինիմալիստներն ընդունում էին այն, Ջադը, անկասկած, տվել է գաղափարին իր ամենամաքուր արտահայտությունը՝ ընդունելով տուփը որպես իր ստորագրության ձև: Ինչպես Ուորհոլը, նա դրանք արտադրեց որպես կրկնվող միավորներ՝ օգտագործելով արդյունաբերական արտադրությունից փոխառված նյութերն ու մեթոդները: Ի տարբերություն Ուորհոլի ապուրի բանկաների և Մերիլինների, Ջադդի արվեստը իրենից դուրս ոչինչ չի վերաբերվում: Նրա «կույտերը» նրա ամենահայտնի ստեղծագործություններից են: Յուրաքանչյուրը բաղկացած է ցինկապատ մետաղից պատրաստված միանման մակերեսային արկղերից, որոնք դուրս են գալիս պատից՝ հավասարաչափ բաժանված տարրերի սյունակ ստեղծելու համար: Բայց Ջադը, ով սկսել է նկարիչ լինել, նույնքան հետաքրքրված էր գույնով և հյուսվածքով, որքան ձևով, ինչպես այստեղ երևում է յուրաքանչյուր տուփի առջևի մասում կիրառվող կանաչ գույնի լաքով: Ջադդի գույնի և նյութի փոխազդեցությունը տալիս էԱնվերնագիր (կույտ)խստաշունչ նրբագեղություն, որը մեղմացնում է նրա վերացական աբսոլուտիզմը:

Լուսանկարը՝ CC/Flickr/Rocor

Ինչպես Բենգլիսը, Հեսսեն կին նկարիչ էր, ով ֆիլտրում էր պոստմինիմալիզմը, հավանաբար, ֆեմինիստական ​​պրիզմայի միջով: Հրեա, ով փախել էր նացիստական ​​Գերմանիայից մանուկ հասակում, նա ուսումնասիրեց օրգանական ձևերը՝ ստեղծելով արդյունաբերական ապակեպլաստե, լատեքսից և պարանից կտորներ, որոնք առաջացնում էին մաշկը կամ մարմինը, սեռական օրգանները և մարմնի այլ մասեր: Հաշվի առնելով նրա ծագումը, գայթակղիչ է գտնել տրավմայի կամ անհանգստության հոսանք, ինչպիսին այս մեկն է:

Լուսանկարը՝ Ժամանակակից արվեստի թանգարանի կողմից

Ջադին և Ֆլավինին հետևելով մի խումբ արվեստագետներ հեռացան մինիմալիզմի մաքուր գծերի էսթետիկայից: Որպես այս պոստմինիմալիստական ​​սերնդի մաս՝ Ռիչարդ Սերան կոնկրետ օբյեկտի գաղափարը դրեց ստերոիդների վրա՝ զգալիորեն ընդլայնելով դրա մասշտաբները և քաշը և գրավիտացիայի օրենքները դարձնելով գաղափարի անբաժանելի մասը: Նա ստեղծել է տոննա կշռող պողպատե կամ կապարի թիթեղներից և խողովակներից անկայուն հավասարակշռող ակտեր, որոնք վտանգի զգացում են հաղորդում աշխատանքին: (Երկու անգամ Serra-ի կտորներ տեղադրող մեքենայական սարքերը սպանվել կամ խեղվել են, երբ աշխատանքը պատահաբար փլուզվել է:) Վերջին տասնամյակների ընթացքում Serra-ի աշխատանքը որդեգրել է կորագիծ ճշգրտում, որն այն մեծ տարածում է գտել, բայց սկզբում այն ​​աշխատում է One Ton Prop-ի (House) պես: of Cards), որը պարունակում է չորս կապարի թիթեղներ, որոնք հենված են իրար, դաժան անմիջականությամբ արտահայտում էր իր մտահոգությունները:

Լուսանկարը՝ CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Հետևելով 1960-ական և 1970-ականների ընդհանուր հակամշակութային միտումին՝ արվեստագետները սկսեցին ընդվզել պատկերասրահների աշխարհի կոմերցիոնիզմի դեմ՝ զարգացնելով արվեստի արմատապես նոր ձևեր, ինչպիսիք են հողային աշխատանքները: Հայտնի է նաև որպես հողարվեստ, ժանրի առաջատար դեմքը Ռոբերտ Սմիթսոնն էր (1938–1973), ով արվեստագետների հետ, ինչպիսիք են Մայքլ Հեյզերը, Վալտեր Դե Մարիան և Ջեյմս Թյուրելը, շրջվեցին դեպի Արևմտյան Միացյալ Նահանգների անապատներ՝ ստեղծելու մոնումենտալ գործեր։ գործել են իրենց շրջապատի հետ համաձայնեցված: Կայքին հատուկ այս մոտեցումը, ինչպես այն կոչվեց, հաճախ օգտագործում էր նյութեր, որոնք վերցված էին անմիջապես լանդշաֆտից: Այդպիսին է Սմիթսոնի դեպքըSpiral Jetty, որը նետվում է Յուտայի ​​Մեծ Սոլթ Լեյքի մեջ՝ Ռոզել Փոյնթից, լճի հյուսիսարևելյան ափին: Պատրաստված է ցեխից, աղի բյուրեղներից և տեղում արդյունահանվող բազալտից,Spiral Jetty միջոցառումներ1500 x 15 ոտնաչափ: Այն տասնամյակներ շարունակ սուզվել է լճի տակ, մինչև 2000-ականների սկզբին երաշտը նորից ջրի երես դուրս բերեց: 2017թ.Spiral Jettyկոչվել է Յուտայի ​​պաշտոնական արվեստի գործը:

Լուսանկարը՝ CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Ֆրանսիայում ծնված նկարչի ստորագրած աշխատանքը,Սարդստեղծվել է 1990-ականների կեսերին, երբ Բուրժուան (1911-2010) արդեն ութսունն անց էր: Այն գոյություն ունի տարբեր մասշտաբների բազմաթիվ տարբերակներում, ներառյալ որոշ, որոնք մոնումենտալ են:Սարդնշանակում է հարգանքի տուրք արվեստագետի մորը՝ գոբելեն վերականգնողին (այստեղից էլ ակնարկվում է արախնիդի՝ ցանցերը պտտելու հակվածության մասին)։

Shutterstock

1994 թվականին Թերների հեղինակավոր մրցանակի դափնեկիր Էնթոնի Գորմլին Մեծ Բրիտանիայի ամենահայտնի ժամանակակից քանդակագործներից մեկն է, բայց նա նաև ամբողջ աշխարհում հայտնի է ֆիգուրատիվ արվեստի իր յուրահատուկ պատկերացումներով, որոնցում հիմնված են մասշտաբի և ոճի լայն տատանումներ: մեծ մասամբ նույն ձևանմուշի վրա՝ նկարչի սեփական մարմնի դերասանական կազմը: Դա ճիշտ է Անգլիայի հյուսիս-արևելքում գտնվող Գեյթսհեդ քաղաքի մոտ գտնվող այս հսկայական թեւավոր հուշարձանի մասին: Տեղակայված է գլխավոր մայրուղու երկայնքով,Հրեշտակճախրում է մինչև 66 ոտնաչափ բարձրություն և անցնում է 177 ոտնաչափ լայնությամբ՝ թևի ծայրից մինչև թևի ծայր: Ըստ Gormley-ի, աշխատանքը նախատեսված է որպես մի տեսակ խորհրդանշական նշան Բրիտանիայի արդյունաբերական անցյալի (քանդակը գտնվում է Անգլիայի ածխի երկրում՝ Արդյունաբերական հեղափոխության սրտում) և նրա հետինդուստրիալ ապագայի միջև:

Հարգանքներով՝ CC/Flickr/Richard Howe

Չիկագոյի բնակիչները սիրալիրորեն անվանել են «Լոբի»՝ իր թեքված էլիպսոիդ ձևի համար,Ամպային դարպասԵրկրորդ քաղաքի Հազարամյակի զբոսայգու համար Անիշ Կապուրի հանրային արվեստի կենտրոնը և՛ արվեստի գործ է, և՛ ճարտարապետություն, որն ապահովում է Instagram-ի համար պատրաստ կամարուղի կիրակնօրյա մանկասայլակների և այգու այլ այցելուների համար: Պատրաստված է հայելային պողպատից,Ամպային դարպասԶվարճալի տան արտացոլումը և լայնածավալությունը այն դարձնում են Կապուրի ամենահայտնի ստեղծագործությունը:

Նկարչի և Գրին Նաֆթալիի շնորհակալությամբ, Նյու Յորք

Ռեյչել Հարիսոնի աշխատանքը համատեղում է կատարյալ ֆորմալիզմը և հմտությունը՝ թվացյալ վերացական տարրերը ներծծելու բազմաթիվ իմաստներով, այդ թվում՝ քաղաքական: Նա կատաղի կասկածի տակ է դնում մոնումենտալությունը և տղամարդկային արտոնությունը, որը կապված է դրա հետ: Հարիսոնը ստեղծում է իր քանդակների մեծ մասը՝ շարելով և դասավորելով պոլիստիրոլի բլոկները կամ սալերը, նախքան դրանք ծածկելը ցեմենտի համադրությամբ և գեղանկարչական ծաղկում: Վերևում գտնվող բալը մի տեսակ հայտնաբերված առարկա է, միայնակ կամ ուրիշների հետ միասին: Վառ օրինակ է այս մանեկենը՝ երկարավուն, ներկով շաղ տված ձևի վրա: Հագած թիկնոցը և Աբրահամ Լինքոլնի դիմակը դեպի ետ՝ աշխատանքն ուղարկում է պատմության մեծ մարդու տեսությունը՝ հիշեցնելով Հին աշխարհի նվաճողի մասին, որը կանգնած է ծաղրածուի գույնի ժայռի վրա։.